Peintre de Saint-Sébastien né en mars 1946 et décédé le 6 avril 2023.
Il a commencé à peindre à l'âge de 15 ans avec Ascensio Martiarena , d'abord, puis avec Jesús Gallego , à l'Association Artistique de Gipuzkoa. Plus tard, à Pampelune, j'ai assisté aux ateliers et séminaires de José Antonio Eslava . De retour dans sa ville natale, il donne des cours de dessin et de peinture au Club d'Art Catalina de Erauso et, peu de temps après, il installe son atelier dans sa propre maison, se consacrant pleinement à sa peinture.
Depuis lors, il a réalisé plusieurs expositions personnelles dans les années 80 et 90 à la Kutxa d'Arrasate et de Donostia, à la Galerie Aachen de Madrid, à la Casa de Víctor Hugo de Pasai Donibane, à la Casa de Cultura d'Urretxu, au CLP de Zarautz, à l'Ateneo d'Ermua, au Musée San Telmo de Donostia, au CAM de Pampelune, au CLP d'Irun, au Galer a Gaspar de Rentera, au Galer a Zubieta, à Musikarte et au Centro Casals de Donostia. Expositions collectives à Saint-Jean-de-Luz, Biarritz, Campagne contre le SIDA, Biennale de San Telmo, 40e anniversaire de l'AAG, Concours des Femmes Peintres. Ses œuvres ont été exposées dans les mairies d'Ermua et de Pasaia, au Conseil provincial de Gipuzkoa, à Kutxa, au Musée San Telmo et chez des particuliers.
Entre autres, les jugements suivants ont été rendus concernant sa production éblouissante et colorée :
Aztia (1981) :
« Le problème, c'est que les traditions sont rarement sophistiquées. Luisi Vélez les reproduit avec une clarté baroque, dans toute leur naïveté – le terme me convient ici – leur grossièreté. »
Montserrat Fornells (1989) :
Sa créativité est si débordante qu'il se permet le luxe de peindre chaque tableau sans modèle. D'où cette spontanéité sincère qui lui a valu d'être qualifié de « naïf », malgré une iconographie oscillant entre les visions oniriques du surréalisme et les préoccupations existentialistes. Un coloriste exceptionnel.
Edorta Kortadi (1989) :
Dans l'ancienne cour de la Mata, le peintre a vécu un après-guerre rude et sombre, ouvert aux rêves de jeunesse de pays lointains, peuplés de jeunes gens magnifiques et de triomphes artistiques. Là-bas, en Suède aussi, la réalité est plus dure et plus rude qu'elle n'est peinte. L'artiste se réfugie à nouveau auprès de ses proches, dans les paysages authentiques de sa Saint-Sébastien ; ainsi émergent sa Fille à la plage , sa Femme abandonnée avec son enfant ou sa Femme aux chats et aux restes de poissons . Un réalisme symbolique, tendre, simple et mélancolique qui en mène à un autre, plus social et engagé : L'Homme devant une fenêtre , Les Ouvriers et les protestations , Les Trois Grâces aveugles . Ou encore cet autre réalisme, plus subtil et onirique : Paella aux lys , Driddas avec un jeune homme noir , Adam et Ève , La Dame à la corbeille de fruits , Arlequin . Réflexions plastiques sur la condition humaine, transparences et incarnations de l'âme de l'artiste. (...) L'artiste reste déterminé. de continuer à capturer en images la réalité dont elle rêve ou qu'elle vit. Sa technique et ses répertoires iconographiques sont permanents, tant dans leur ordre thématique que dans la grâce de leur constante évolution. Plus tard, Mendieta décrira la peinture de Luisi Vélez comme une « alchimie vitale ». Il y a du vrai là-dedans. Luisi Vélez (Donostia, 1946), après avoir étudié avec Martiarena et Gallego, a commencé à créer des peintures attribuées au réalisme magique, vital, érotique et onirique. Vélez en sait suffisamment sur l'art du dessin, même s'il en sait toujours beaucoup plus sur l'art et le dessin, pour exprimer ses propres démons intérieurs, un mélange d'exaltation vitale, de tristesse et de mélancolie.
Carlos Naucler (1990) :
"La peinture de Luisi Vélez est aussi unique, individualiste et irremplaçable que son auteur (...)".
Joxemartin Apalategui (1992) :
« Ils photographient la culture basque et ont une compréhension profonde du passé, de leur écologie cosmopolite et de leurs réflexions. »
Marianne de Villota (1994) :
L'origine poétique et exigeante des thèmes qu'elle aborde a déjà été évoquée : sa peinture va bien au-delà. Les images sont très intimes, le symbolisme est absolument original et personnel, des visions intérieures qu'elle transpose dans ses toiles. Ses compositions sont un miroir d'elle-même ; elles « parlent » littéralement de ses sentiments et de ses expériences, de sa personnalité profonde et de sa philosophie 100 % vitaliste. Je ne connais aucun autre artiste qui se soit projeté avec autant d'intégrité et de sincérité sur ses toiles. L'œuvre entière de Luisi constitue sa propre autobiographie ; parfois même, malgré lui.
Antxon Benito (1994) :
Nous vivons dans un monde saturé d'images (...). Dans ce contexte, des œuvres emblématiques comme celle de Luisi V lez deviennent des snipers culturels. À partir de références concrètes, son œuvre choisit de montrer un monde de rêves, d'idées portées par des identités physiques, et pourtant détachées de l'extérieur. Un univers fait de couleurs (couleur ! chaleur ! essence vitale de la condition humaine) qui s'unissent, selon des codes surréalistes, pour matérialiser des concepts magiques et intemporels, peuplés d'esprits ouverts et de cœurs sensibles.